— Ai que saudade da morte…»
(Mário de Sá-Carneiro, Vontade de Dormir em Dispersão)

Em termos “comparativos” com o que foi feito no passado há uma clara sensação que os princípios mais recorrentes (e simultaneamente mais positivos) da abordagem artística de Bizarra Locomotiva encontram-se presentes de forma mais forte que nunca neste trabalho. Tanto até, que a banda estica os extremos por si antes definidos e, não menos importante, consegue fazê-lo em múltiplas direcções. Álbum Negro pega em todo um conjunto de características que definem o núcleo do som único da banda em todos os seus trabalhos anteriores e “depois” consegue transportar a sua experiência sonora para um outro nível, virtude do aprofundar violento dos predicados que já antes lhe pertenciam. Revisitam-se espaços e ao mesmo tempo reinventando-se o “visitante” ou, neste caso, reinventando-se a “máquina”.

Alinhamento
01 – Nostromo
02 – Êxtases Doirados
03 – Remorso
04 – O Anjo Exilado
05 – Ergástulo
06 – Sufoco De Vénus
07 – A Procissão Dos Édipos
08 – Engodo
09 – Láudano 3
10 – Outono
11 – Egodescentralizado
12 – Angústia
13 – O Grito
14 – Prótese

Ano 2009

Editora Raging Planet

Faixa Favorita 05 – Ergástulo

Género Industrial Metal/Rock

País Portugal

Banda
BJ – Teclado
Miguel Fonseca – Guitarra
Rui Berton – Bateria
Rui Sidónio – Voz

À partida o universo de Bizarra Locomotiva já se caracteriza pela distorção dos padrões habituais que rodeiam a idiossincrasia do género musical da banda (musical e conceptualmente). Musicalmente afastados do Industrial mais tradicional pelo estrépito provocado (sensivelmente a mesma razão que os afasta do Industrial Rock) e demasiado extravagantes mesmo para o conceito alargado de Industrial Metal, não obstante o peso inerente a BL e que neste Álbum Negro é maximizado em todas as direcções. À fúria visceral de Ódio juntam-se um conjunto de atmosferas perturbadoras que dão ainda mais corpo ao som já de si esmagador do bizarro colectivo. Sensorialmente a sensação claustrofóbica impera com a maquinaria pensada ao pormenor para deixar passar apenas a necessária dose de alívio melódico para que tudo não seja demasiado estratosférico. Deste equilíbrio vive a expressão do Álbum Negro e sobretudo a expressão frequentemente doentia da lírica singular de Rui Sidónio, factor essencial para que tudo faça sentido na desolação do habitual, desconstrução esta que percorre e identifica o álbum.

Constitui-se então aquilo que é o essencial no trabalho: a relação entre a palavra maldita e obscura (aqui especialmente obscura) de Sidónio e o conturbado mundo de pesadelo criado por Miguel Fonseca (compositor exclusivo do trabalho), situando nos pilares da electrónica assombrosa e agressiva e nos riffs distorcidos (o adjectivo tem uso duplo) que se juntam perfeitamente com os sons dissonantes que são disparados pelos samples. Os adjectivos que fazem jus aos momentos de génio gritado de Sidónio são os mesmos que se poderiam aplicar a todo o ruído cadenciado que sai da mente do antigo mentor de Thormenthor. Tudo surge à beira do abismo nesta relação homem-máquina, com o caos a pairar com o choque das duas principais forças por detrás da negritude aqui encontrada. A “unir” a vertente instrumental à vertente vocal-lírica, encontra-se o conceito do álbum baseado no livro do séc. XV, Hypnerotomachia Poliphili, que explora a fase hipnagógica do sono. Segundo a banda, o processo criativo do álbum passou precisamente pelo aproveitamento de alguns desses momentos para construir aquilo que é todo o imaginário lírico, musical e visual do Álbum Negro, onde espaços da Idade Média e ambientes futuristas convivem fragmentariamente. Faz sentido já que das imagens estranhas criadas pelo binómio palavra/som vive BL e desta vez ainda de forma mais acentuada e acima de tudo refinada.

Tamanho monstro conceptual requisitou mais potência, mais peso e mais densidade no som. Tudo é ainda mais preenchido do que no passado e os sons parecem mais diversificados, acompanhados por aquele que é o gutural português com mais capacidade de transmissão lírica (e que lírica, diga-se de passagem). Os samples imaginados por Miguel Fonseca e executados por BJ fazem parte, juntamente com os sintetizadores, da maquinaria de Bizarra Locomotiva e a sua presença faz-se sentir com mais força em momentos mais cadenciados como o início viciante de Engodo, as fantasmagóricas incursões em Outono ou a conjunção entre os samples dissonantes e os subtis apontamentos dos sintetizadores em Ergástulo. Qualquer um dos momentos mencionados é marcante no Álbum Negro e não será grande atrevimento alargar isto a toda a carreira de BL. Além deste papel mais “melódico”, os sintetizadores e sobretudo alguns dos samples criam uma áurea bastante Industrial de uma forma, que sendo pesada (às vezes extremamente), não é ligada ao cânone do Industrial Metal. Assim sendo, o seu peculiar uso é em boa parte responsável pelo som único da banda. Torna-se especialmente evidente quando se ouve o arrastado ritual d’A Procissão Dos Édipos ou o claustrofóbico e tóxico ambiente do Spoken Word doentio de Angústia.

A completar o ataque rítmico temos a bateria de Rui Berton (também da mente de Miguel Fonseca) em perfeita integração e (des)harmonia com as paisagens dos samples e sintetizadores. Esta integração é notória em faixas mais aceleradas onde o martelar constante é providenciado tanto por Berton como pelos samples de BJ. Este é de resto um dos traços mais característicos do espectro mais Industrial do trabalho já que as faixas mais rápidas apresentam este tipo de sonoridade metálica e latejante a encher por completo o trabalho. Nas faixas mais aceleradas como Êxtases Doirados ou o frenético Egodescentralizado, o poder rítmico da máquina por detrás de BL é bem evidente sendo que sobra ainda algum espaço para deambulações menos óbvias no acompanhamento dos restantes elementos. A forma como a bateria está produzida e colocada ajuda em muito à capacidade da “locomotiva” produzir sons de redobrado poder e intensidade. Nesta secção e nos momentos referidos há que não esquecer a colaboração Carlos Santos como baixista convidado que embora discreto oferece ainda mais “corpo” a algumas das faixas (ouçam-se as linhas palpitantes do baixo em Engodo como exemplo).

Para completar todo o invólucro sonoro da máquina que é BL não poderia faltar a instrumentalização por excelência daquele que é o principal compositor do grupo: o guitarrista Miguel Fonseca. O papel das guitarras é claro, vital. Se por um lado o instrumental tem na bateria, sintetizadores e samples a sua pulsão e circulação, por outro lado tem na guitarra os seus gritos, uivos e até lamentos. A imagem mais vezes criada ao ouvir o trabalho é de um rasgar constante, pela camada distorcida e dissonante, pelos riffs ritmados e de uma simplicidade terrivelmente eficaz. Predominantemente o efeito é atingido com as guitarras embebidas em distorção, centradas em riffs monolíticos que carregam e quebram o som simultaneamente. O trabalho de guitarra alude a momentos mais ligados ao Industrial Metal devido ao peso que contém, embora a escassez do conforto melódico remeta mais para o Industrial criando uma atipicidade quanto à forma como a guitarra opera em BL, distinguindo-os do que está, musicalmente, à sua volta. Isto porque não são riffs de Industrial Metal mas o seu peso também ultrapassa em larga escala o Industrial mesmo na sua vertente mais Rock. É um híbrido que expele dissonantemente identidade e unicidade, mesmo atendendo ao trabalho passado da banda.
Quando o lado intrinsecamente brutal e ruidoso se ausenta por breves momentos a guitarra pode produzir estranhos lamentos como o faz em Outono ou até surpreendentemente cativante como n’O Grito, mostrando uma capacidade de variação para além da reconhecida aptidão para (des)construir faixas com riffs duros e distorcidos. Neste último campo, poder-se-ia destacar quase todo o trabalho mas torna-se especialmente interessante apreciar a forma como riffs tão simples conseguem um efeito tão obscuro como em Sufoco De Vénus ou na lentamente decadente Prótese.

O perturbado mundo do Álbum Negro nunca seria o mesmo sem a presença inconfundível do Grito de Bizarra Locomotiva. Trespassando de forma violenta e impiedosa todo o instrumental bizarro, Rui Sidónio é uma força bruta à solta, a humanidade mais carnal naquilo que é BL. A sua voz é naturalmente perturbadora: não por ser um gutural singular e visceral, mas porque além disso a força da mensagem é sentida e ouvida de forma particular. Esta capacidade singular de transmitir mais do que vocalizar, de dizer mais do que “cantar” é o que singulariza Sidónio e é o complemento perfeito para os distúrbios instrumentais do resto da banda. Doutra forma a sensação seria de impotência e incapacidade para dar continuidade ao muito negro universo que aqui se constrói. É isso que, por comparação directa, a prestação de Fernando Ribeiro no Anjo Exilado prova cabalmente, não obstante a competência da participação do vocalista de Moonspell.
No entanto, as vocalizações do álbum não são apenas momentos que acrescem à tensão construída pelo instrumental através de brutalidade crua e primitiva. O assombroso Ergástulo mostra um registo quase sussurrado de uma expressividade não menos contundente do que aquela apresentada quando Sidónio parte para a pura agressão. Da mesma forma, a forma inquietantemente tranquila como parte da letra de Prótese é recitada também se afasta do registo mais presente, mantendo intactos os elementos que fazem da voz de Rui Sidónio o veículo perfeito para a transmissão da poesia do tormento criada precisamente pelo membro fundador de BL.

Desta poesia única se alimenta o álbum. Única tanto pela riqueza vocabular como pela peculiar capacidade de tornar o normal em bizarro, sempre com uma profundidade imensa. Sem qualquer desprimor para com tudo o que envolve o trabalho: nas palavras de Rui Sidónio reside a pedra de toque do trabalho, o momento em que tudo se define, onde se dá a (anti)catarse de tudo o que se vai acumulando. Pela lírica de luxuriante que corre nos Êxtases Doirados, pelas existenciais linhas de Ergástulo, pelas aliterações que se prostram n’A Procissão Dos Édipos, pelos momentos confessionais de Engodo ou pela dor pura de Angústia estão os cantos do Álbum Negro. As imagens de pesadelo onde tudo é possível pela transcendência da palavra revoltosa, ininterrupta e à beira do suportável quando aqueles momentos se encontram bem à flor da pele. É aqui que os sentidos das  palavras de Sidónio também se multiplicam, pela ambiguidade que uma escrita deste género sempre acarreta e também por um subterrâneo pendor surrealista.

Num álbum dominado pela palavra (a excepção é a introdução e a incursão pela Industrial mais electrónica em Láudano 3), os momentos em que a mesma surge mais marcante e simbólica também são aqueles que será natural destacar, embora pela qualidade lírica que atravessa todo o álbum a escolha recaia (ainda mais do que seria normal) nos momentos com uma mensagem introspectiva mais profunda. Aqui surgem os momentos onde a “locomotiva” avança a uma velocidade mais moderada, quiçá pelo espinhoso caminho a percorrer…

O ambiente ritualístico de Engodo oferece-se como primeiro e perfeito exemplo de dolorosas viagens. O ambiente criado pelos teclados e guitarra é tenso e assombroso, para que a voz assuma o seu papel de expurgadora de demónios, ora quotidianos ora mais filosóficos, sempre de forma bem particular:

Rimo a constituição íntima das coisas
Que se me deparam lacrimosamente
Adormecido de todas as estranhezas
Que se me afligem ao extraviar-se

Mas vendi-me
Num largo gesto de simpatia
Que me custou a morada

Inexoravelmente calmo, seco a garganta
Sanhudo, bebo da mentira alheia
Indiferente, classifico-a raiz dos enganos
E exercito-me ao recitá-la

De forma arrastada e pesada surge a faixa final, Prótese. Para além de alguns dos riffs mais fortes do álbum, a faixa destaca-se pela sua divisão entre o Spoken Word e o som mais “tradicional” da banda. Qualquer uma das “partes” é intensa à sua forma: uma pelo natural elemento ruidoso e outra pela voz sussurrada de Sidónio declamando:

Vagueio pelo trópico de câncer com uma ogiva ao peito
mas consigo ver tudo que deixei para trás

Sinto a minha a gorda agonia a tolher-me o passo sem vestígios de pudor só de pensar no tempo que perdi… o destino assim o quis…!
Penso em ti sete vezes por segundo
Arrasto-te comigo para todo o sempre. És  a besta que me persegue, a minha deficiência adquirida. Partiste-me o que tinha de mais precioso.
A minha alma mudou de envólucro.
Tarde demais para voltar atrás.

Apodreço sem vida… mas tu… tu ainda ficas!

Resta apenas uma coisa por dizer. A única que se necessária fosse conseguiria definir nesta besta erguida por Bizarra Locomotiva. Não por escassez de substância de todo o álbum mas pelo que representa enquanto paradigma do que é que a banda consegue fazer, transformando-se através da overdose daquilo que já tinha de melhor. No monumento de intensidade, potência e, à sua tremenda maneira, beleza que é Ergástulo o Álbum Negro tem o seu momento sublime. Bizarra Locomotiva tem um dos seus clássicos definitivos num registo lento, doloroso e simplesmente arrepiante:

Canso-me perplexo
da ode triunfal
apreciava a dor da luz
dissecando a graça suprema
orgulho a salvo, prostro-me
perante o teu plácido legado
o meu pensamento processa-se
silenciosamente…

Basta! Sou estrume! Esta é a minha certeza
fertilizante orgânico
do mal que tudo corrompe

Untando-te a vontade
com ruidosas tonturas
a minha omnívora alma
devora-te legando amargas costuras
Neste ergástulo de ser quem sou, envelhecido, num refluxo de culpa
acaricio-te o contorno dos olhos
e cerro os meus
deixando-te moribunda.

Basta! Sou estrume! esta é a minha certeza
fertilizante orgânico
do mal que tudo corrompe

O Álbum Negro. Foi o momento de renegar quase tudo. Renegar tudo menos a capacidade reinventiva. O resultado é uma vertiginosa viagem por lugares escuros e desagradáveis; onde o desconforto domina. Seja pelo sítio para onde se é transportado pela Bizarra Locomotiva ou pela simples visão do que essa viagem representa. Seja qual for a situação, o Álbum Negro para além de soar a tal, estabelece-se mesmo como mais um momento essencial na carreira da banda.

Depois da surpreendente (tendo em conta os percalços vividos pela banda nos tempos entre Homem Máquina e o trabalho de 2004) maturidade de Ódio, os BL fortalecem-se ainda mais. Também se poderá falar de maturidade mas num sentido distorcido (como “deliciosamente” quase tudo o é no universo artístico de BL) onde o tempo deu lugar a mais poder, mais fúria, mais “águas revoltas”: mais exagero no fundo. Outras comparações à parte, no sentido mais primitivo e selvagem de romper os limites de forma caótica o Álbum Negro cumpre perfeitamente com a ambição e atinge genialmente o objectivo.

Apesar de este atraso ter feito com que o lançamento do álbum (e não a sua gravação) se situe na segunda metade da década de 90 e portanto numa altura em que já várias bandas exploravam os caminhos trilhados pelas bandas escandinavas (particularmente as norueguesas), o impacto de Filosofem é tremendo. Os caminhos explorados por Varg em Filosofem acentuam o que já havia sido feito com os anteriores álbuns e fundam uma série de preceitos que hão-de influenciar de forma decisiva um sem número se tendências dentro do Black Metal. Filosofem estabelece-se como incontornável referência, seja de forma directa como no caso completa criação e moldagem no que concerne ao Ambient Black Metal, ou de forma indirecta como acontece no que diz respeito ao Depressive Black Metal (onde a própria constituição do projecto Burzum é uma influência), passando por um sem número de outras divisões estilísticas dentro do Black Metal onde a vertente atmosférica é importante.

Alinhamento
Versão Norueguesa
01 – Burzum
02 – Jesu Død
03 – Beholding The Daughters Of The Firmament
04 – Decrepitude I
05 – Rundtgåing Av Den Transcendentale Egenbetens Støtte
06 – Decrepitude II

Versão Alemã
01 – Dunkelheit
02 – Jesus’ Tod
03 – Erblicket Die Töchter Des Firmaments
04 – Gebrechlichkeit I
05 – Rundgang Um Die Transzendentale Säule Der Singularität
06 – Gebrechlichkeit II

Ano 1996

Editora Misanthropy Records

Faixa Favorita 03 – Beholding The Daughters Of The Firmament

Género Ambient Black Metal

País Noruega

Banda
Varg Vikernes – Todos os instrumentos e Voz

É partindo (conscientemente ou não pouco interessa dado o resultado apresentado) desta base que Varg opera nova transformação no universo de Burzum incrementando a presença da vertente Ambient em Burzum. Se é bem verdade que desde o início que Varg inovou no que concerne ao uso de teclados em conjunto com o Black Metal e que sobretudo em Det Som Engang Var e Hvis Lyset Tar Oss, a importância dos teclados para o efeito final destes trabalhos é imensa. Neste campo, Filosofem não é uma mudança técnica em relação ao passado do projecto, mas existe antes um acentuar e um aprofundamento do papel ambiental. Há semelhança dos seus antecessores, segue o caminho da exploração Ambient a par do Black Metal (a presença de faixas somente ambientais é um elo de ligação entre o álbum aqui exposto e os dois que o antecedem), mas aqui dá-se o aperfeiçoamento final da integração entre os dois géneros. Uma faixa como Burzum (mais conhecida como Dunkelheit) elucida sobre esta mudança face a algo como Det Som En Gang Var: ambas as músicas (duas das melhores do género) possuem um uso extensivo de teclados mas ao passo em que na música do álbum Hvis Lyset Tar Oss existe uma sensação de justaposição (de notar que este facto não oferece qualquer tipo de crítica negativa dada a mestria como é feito), a música de abertura de Filosofem dá a ideia de continuidade e progressão simultânea entre os riffs hipnóticos e as batidas da bateria e o trabalho da bateria. Une-os o minimalismo de execução, mas também uma percepção de complementaridade que remete para uma composição simultânea (independentemente de ter sido este o processo composicional) dos elementos mais “tradicionalmente” associados ao BM e da parte Ambient. Nada disto coloca em causa todo o brilhantismo de, por exemplo, uma faixa como Det Som En Gang Var (repito, uma obra-prima de Burzum e simultaneamente de todo o género). A progressão de Burzum não coloca em causa a maturidade e intencionalidade de cada uma das obras passadas. Trata-se de uma “pintura” com diferentes secções e que atingem invariavelmente a excelência.

Precisamente para o nível atingido por Burzum em Filosofem em muito contribui aquilo que será, porventura, a maior qualidade de Varg enquanto músico: uma ímpar capacidade de composição. Como referido, a mestria na fusão dos elementos mais tradicionais do Black Metal com a sonoridade ambiental é um destaque ao qual se junta a capacidade de juntar elementos de execução simples, obtendo um efeito tão poderoso e único. A face mais visível desta qualidade são os riffs que invadem o trabalho que têm tanto de terrivelmente simples como de imensamente belos e assombrosos. Qualquer uma das primeiras três músicas possui riffs que conseguem, não obstante a sua simplicidade, transmitir todo um conjunto de sentimentos com uma intensidade incrível. A dificuldade está precisamente neste ponto: os extremos técnicos – seja extrema simplicidade ou complexidade – podem anular o objectivo a que se propõe pelo que para tal não suceder há que ter uma ideia clara de condução das músicas para não se cair em exageros.

Em Filosofem, atinge-se com perfeição o ponto de equilíbrio. A título de exemplo, a primeira faixa Burzum (Dunkelheit) parece pensada ao pormenor em relação à gestão dos tempos em que a repetição dos riffs é feita. Cada um dos elementos tem um tempo de entrada perfeito e que provoca subtis mudanças de ambiente, impedindo qualquer tipo de enfado: os riffs iniciais introduzem a faixa de forma lenta e sombria, com a bateria a seguir a mesma toada até à entrada do riff principal, ao que se segue os teclados que sublinham de forma perfeita a melodia da guitarra. São sete minutos onde estes elementos são conjugados de forma perfeita com a voz arrepiante de Varg e com algumas mudanças quase imperceptíveis, mas que fazem toda a diferença para que não haja uma repetição excessiva na faixa. No entanto, Varg também varia na forma como faz fluir as faixas, não se centrando simplesmente nos teclados para fazer criar momentos interessantes. A segunda faixa, Jesu Død (mais conhecida pela sua versão alemã Jesus’ Tod) é demonstração disso mesmo através de um cortante conjunto de riffs rápidos que é acompanhado pela igualmente furiosa bateria. Neste caso, a própria velocidade dos riffs e cria uma dinâmica que não se torna cansativa durante os mais de oito minutos que a faixa tem. Claro que velocidade por si só não representa nada e Jesu Død é mais um enorme momento sobretudo devido ao riffs memoráveis que compõe a música.

Como já referido, Filosofem constitui-se como uma obra de grande dimensão graças à forma como a simplicidade técnica se transcende em brilhantismo quando tudo está perfeitamente encaixado. As faixas mencionadas atestam da qualidade dos riffs neste trabalho, assim como da forma como os teclados minimalistas sublinham uma atmosfera nostálgica e melancólica. Por outro lado, naturalmente apenas presente na parte Black Metal do álbum, a bateria não tem um papel tão evidente, servindo sobretudo para frisar o tempo das músicas que acaba por variar consideravelmente nas três primeiras faixas. A própria produção acaba por relegar para segundo plano a bateria uma vez que se encontra bastante “enterrada” na parede de som provocada  Ainda assim, o som algo “seco” da bateria é uma das características notórias do álbum, seja nos momentos mais acelerados de Jesu Død ou quando o tempo médio de – por exemplo – Beholding The Daughters Of The Firmament (Erblicket Die Töchter Des Firmaments) é dominante. Há semelhança do que sucede com o baixo (poucas vezes audível durante o trabalho devido à enorme camada de distorção), a bateria limita-se a servir da base para todo o aparato criado pelos elementos que se destacam em Filosofem.

Também com uma colocação bastante “distante” na produção encontra-se a voz de Varg. No entanto, este é um dos elementos mais reconhecíveis e importantes para a caracterização do álbum e sobretudo para o seu estrondoso resultado final. De notar, antes de mais nada, que a voz apresenta-se aqui de forma bastante diferente em relação aos anteriores trabalhos de Burzum. Antes deste trabalho a voz de Varg era um gutural extremamente gritado, bastante único e original para o início dos anos 90 e simultaneamente uma das marcas características da abordagem singular do projecto em relação ao Black Metal. Em Filosofem ainda se conseguem discernir alguns traços da voz gutural mas extremamente aguda que foi dos traços principais dos primeiros trabalhos, mas a produção e a forma como a voz está encaixada no som mudam quase por completo. Usando o pior microfone do estúdio onde o álbum foi gravado, Varg obteve um efeito completamente distorcido e crispado que poucas semelhanças possui em relação a uma voz humana mesmo quando comparado com as vozes torturadas dos primeiros trabalhos ou mesmo em relação ao conceito mais alargado de gutural nos subgéneros mais extremos do Metal. Desta forma, a voz acaba por ser uma continuação do som difuso das guitarras, rasgando a parede sonora com um gutural agonizante que quase parece remanescente de um som Industrial, tal é a forma como a voz soa distorcida. O resultado final desta abordagem é soberbo, retendo grande parte dos sentimentos dolorosos que eram transmitidos com os guturais mais gritados dos álbuns anteriores, ainda que a forma como tal efeito é atingido seja consideravelmente diferente.

Em consonância com a emotividade dos vocais estão as letras do álbum. Em relação ao alcance das mesmas, pode-se dizer que não poderiam ter uma melhor presença que não num trabalho cujo título é Filosofem. Não sendo letras complexas num sentido tradicional do termo, deambulam por um mundo de preocupações existenciais através de relatos de um tempo passado e de paisagens desaparecidas. A imagética naturalista é uma constante e serve tanto de descrição simples (como na parte mais ambiental do álbum), como de plataforma para temas que parecem corroer a imaginação de uma mente em permanente viagem interior. A já referida sensação de viagem dá-se em grande parte devido aos mundos criados pelas letras do trabalho mas que mais do que remeterem de forma literal para um conjunto de imagens, se tratam de metáforas para um transporte que ocorre sobretudo interiormente porque esta é sobretudo a travessia que interessa ao “filósofo”. Neste campo, a primeira parte do álbum oferece a porção mais conseguida de Filosofem uma vez que a parte exclusivamente Ambient tem uma abordagem mais directa e menos profunda no campo lírico.

Assim, a primeira faixa auto-intitulada Burzum (mas “popularizada” como Dunkelheit) possui um misto de imagética naturalista e um certo tom pagão que se acaba por surgir de forma mais clara na segunda parte do álbum. Não sendo a temática mais interessante do álbum, acabam por resultar muito bem em toda a faixa, nomeadamente no momento quase falado que acaba por surgir na última metade da faixa. Segue-se Jesu Død (de novo mais conhecida pela versão alemã: Jesus’ Tod) com uma descrição negra da figura de Cristo. “A morte de Jesus” representa o nazareno de forma pouco usual, não como uma figura de paz e tranquilidade mas como uma figura negra e sombria. Mais do que um ataque gratuito à pessoa de Cristo, trata-se de uma retratação que se foca no lado oculto e sobretudo humano de alguém cujo sofrimento e dor se sobrepõe claramente à sua tradicional “reputação”, ainda que tal seja escondido.
No entanto, e sem qualquer desprimor pelas mencionadas letras, o melhor momento neste campo em Filosofem (e em toda a discografia do projecto) encontra-se na terceira faixa, Beholding The Daughters Of The Firmament (Erblicket Die Töchter Des Firmaments). Uma interrogação existencial invadida de melancolia e solidão, de uma alma em permanente convulsão interrogativa provocada pela noção de desconhecimento e vazio face à sua existência. Nada mais perfeito para sintetizar a força emotiva de Filosofem do que a “magnum opus” lírica de Varg:

I wonder how winter will be
With a spring that I shall never see
I wonder how night will be
With a day that I shall never see
I wonder how life will be
With a light I shall never see
I wonder how life will be
With a pain that lasts eternally
In every night there’s a different black
In every night I wish that I was back
To the time when I rode
Through the forests of old
In every winter there’s a different cold
In every winter I feel so old
So very old as the night
So very old as the dreadful cold
I wonder how life will be
With a death that I shall never see
I wonder why life must be
A life that lasts eternally
I wonder how life will be
With a death that I shall never see
I wonder why life must be
A life that lasts eternally

Por motivos naturais, as três primeiras faixas acabam por ser as que merecem uma atenção maior quando Filosofem é abordado de uma forma mais compartimentada e focando-se essencialmente na sua vertente ligada ao Black Metal. Compreende-se este aspecto na medida em que as faixas seguem a linha do BM que Varg aprimorou e seguem uma linha que acaba por ser mais natural dentro do género. No entanto, há que mencionar que sem Decrepitude e Rundtgåing Av Den Transcendentale Egenbetens Støtte, Filosofem não atingiria patamares e ambientes que combinam perfeitamente com aqueles presentes nas primeiras faixas. Decrepitude será, talvez, a mais perfeita integração da vertente Ambient com o Black Metal o que torna a sua primeira versão (quarta faixa) numa passagem perfeita para a longa parte ambiental e a sua versão instrumental (última faixa do álbum) num fecho condizente para um álbum que consegue unir de forma sistemática as duas sonoridades dominantes (embora as referidas faixas tenham um sentimento mais pertencente à primeira esfera ambiental do que ao BM). No meio das duas, surge a monstruosa Rundtgåing Av Den Transcendentale Egenbetens Støtte, a única peça puramente ambiental do trabalho. Percorrida por uma melodia simples e hipnótica, a música vai flutuando longamente pelas suaves notas sintetizadas que percorrem a música por mais de vinte e cinco minutos (um quarto do álbum, aproximadamente). Ainda que possa não fazer sentido de um ponto de vista individual, a quinta faixa fornece a viagem de relaxamento e descompressão perfeita quando se ouve o álbum como um todo, sobretudo devido à forma como contrasta com a emotividade extrema que é presenciada na primeira metade do álbum.

Se é verdade que a compreensão de Filosofem enquanto obra passa obrigatoriamente pela segunda metade do álbum, é inegável que os três clássicos que iniciam o trabalho valem muito por si próprios. A hipnótica Burzum (a primeira faixa escrita por Varg em Agosto de 1991 ainda com a designação de Uruk-Hai) é um dos momentos incontornáveis em todo o movimento norueguês, pelas razões já largamente mencionadas e pela forma como simboliza todo o conceito de Ambient Black Metal. Da mesma forma, Jesu Død lembra algum do trabalho mais rápido de Varg e constitui-se como outra obra-prima, ainda que de uma forma distinta das outras duas faixas mais lentas, o que prova a capacidade de Varg de compor temas de enorme qualidade, com considerável variedade entre si. Depois destes dois monumentos, a terceira faixa é uma “overdose” emocional de sentimentos melancólicos e profundos. Devido a estas características, Beholding The Daughters Of The Firmament acaba por ter óbvias influências em vertentes como o Depressive Black Metal sendo que a sua influência só é ultrapassada em matéria de importância pelo facto de ser o momento alto num álbum que nunca sai de um patamar de excelência.

Um paradoxo em forma de obra de arte, onde a simplicidade quase inocente dos meios contrasta largamente com tudo aquilo que é atingido pela experiência que vai, obviamente, muito além da sua execução per se. As emoções atingidas e os “lugares” são um reflexo de um álbum que “filosofa” através da obra musical por temas cuja complexidade e profundidade retractam uma jornada interior que se processa permanentemente.

Há semelhança do que acontecera no passado com os primeiros lançamentos de Burzum, a criação de Varg lançada em 1996 constitui-se como mais uma demonstração de excelência de Burzum. Não como um isolado momento de grandeza, mas como mais uma prova sistemática de como Burzum se constitui como banda seminal do Black Metal moderno em várias das suas vertentes, mantendo-se ao mesmo tempo actual e não valendo apenas pela ideia “curiosa” de clássico… e sobretudo fazendo-o através de uma série de lançamentos onde é muito complicado encontrar momentos abaixo do patamar de grandiosidade.

Acima de tudo uma obra total que usa o Black Metal como instrumento para deixar fluir uma experiência que transforma a audição numa das melhores formas de visitar caminhos onde o sentimento niilista impera, não de forma puramente destrutiva mas numa perspectiva de constante indagação perante tão funesta existência.

A banda é conhecida por incluir nas letras (e não só) doses industriais de humor negro, referências em relação a algumas polémicas que os envolvem (geralmente de forma humorística mas bastante incisiva) e pela corrosibilidade de várias afirmações. Assim, a ironia e o sarcasmo são peças fundamentais no repertório da banda (sejam em letras ou noutro tipo de contactos com o público) e como tal a falta de cuidado (sobretudo quando a banda se tornou mais conhecida) na interpretação de alguns aspectos de Type O Negative (ou mesmo na própria atitude por detrás da banda) faz com que surjam muitas situações hilariantes dada a falta de “perspicácia” de alguns “intérpretes” do universo de TON… claro que isto é capitalizado pela banda o que geralmente só faz aumentar, ainda mais, o absurdo de tais interpretações.

Paradigmático de tudo o que disse anteriormente são os primeiros anos de Type O Negative e estende-se, no caso de Steele, até a Carnivore (banda de Thrash Metal/Crossover em que o vocalista/baixista esteve antes de Type O Negative). O uso de léxico associado a ideologias nazis na faixa Der Untermensch de Slow, Deep And Hard (ainda que de forma figurada uma vez que a letra denota uma visão geralmente partilhada pela direita conservadora americana no que concerne ao “Welfare State” e não se refere ao ideal racial), declarações incendiárias (ainda em ligação com a música mencionada), acusações de machismo (o facto do primeiro álbum retratar a traição de uma namorada de Peter Steele de forma bastante agressiva – ainda que humorística – levou a acusações de Misoginia) e diversos episódios que vão desde o surreal ao imensamente cómico. Um deles envolve o segundo álbum da banda, um falso álbum ao vivo em que a banda adicionou efeitos para dar a sensação de que tinha sido gravado ao vivo, sendo que existem alguns cânticos bastante desrespeitosos para com a banda como “You suck! You suck!” propositadamente adicionados… para efeitos burlescos, claro. Igualmente a capa segue a mesma linha de humor com a imagem extremamente próxima do ânus do vocalista/baixista, Peter Steele… dai o nome do álbum: The Origin Of The Feces (Not Live At Brighton Beach).

Claro que tudo isto foi prontamente aproveitado pela banda e em diversos campos. Em 1993 a banda lança o seminal Bloody Kisses que lança definitivamente TON para o mainstream. O sucesso de temas como Black No. 1 (Little Miss Scare-All) (satírica perfeita a vários estereótipos da cultura gótica) e Christian Woman (a presumível história de uma freira com um peculiar tipo de “desejos”) levou a banda à ribalta (até um pouco fora do mundo Metal) e deu à Roadrunner Records os seus primeiros discos de ouro e platina. Juntamente com estes temas estavam músicas com o tradicional humor da banda: Kill All The White People e We Hate Everyone eram caricaturas de todas as controvérsias, nomeadamente aquelas em que eram acusados de serem racistas.

Bloody Kisses, no entanto, foi importante – acima de qualquer outra coisa que possa surgir – por ter representado uma demarcação sonora evidente do passado da banda. O primeiro trabalho de estúdio de TON já tem alguns elementos diferentes do tradicional som de Carnivore (embora inicialmente fosse suposto ser um álbum de Carnivore) com mais inclusões nos terrenos do Doom (embora, de novo, Carnivore também tivesse passagens mais arrastadas), mas foi na proposta de 1993 que surgiu o som característico do Gothic Metal de Type O Negative, o que representou um avanço considerável no género. Tirando a mencionadas Kill All The White People e We Hate Everyone (que são tendencialmente mais viradas para o Thrash e Punk), o resto do álbum é muito mais semelhante à obra aqui em questão, October Rust.
Assim, além de uma confirmação inegável da direcção da banda em relação ao Gothic Metal, o terceiro álbum de originais (não contando a paródia de The Origin Of The Feces…) representa o paradigma do Gothic Metal moderno (apesar de ter muito mais para oferecer que apenas o tradicional do estilo) e mais um importante momento num género cuja fundação e delimitação estética muito deve aos desgraçados vindos de Brooklyn.

Alinhamento
01 – Bad Ground
02 – Intro (Untitled)
03 – Love You To Death
04 – Be My Druidess
05 – Green Man
06 – Red Water (Christmas Mourning)
07 – My Girlfriend’s Girlfriend
08 – Die With Me
09 – Burnt Flowers Fallen
10 – In Praise Of Bacchus
11 – Cinnamon Girl
12 – The Glorious Liberation Of The People’s Technocratic Republic Of Vinland By The Combined Forces Of The United Territories Of Europa
13 – Wolf Moon [Including Zoanthropic Paranoia]
14 – Haunted
15 – Outro (Untitled)

Ano 1996

Editora Roadrunner Records

Género Gothic Metal

País EUA

Banda
Johnny Kelly – Bateria*
Josh Silver – Teclado
Kenny Hickey – Guitarra
Peter Steele (Peter Ratajczyk) – Voz, Baixo

*Nota: Apesar de ser creditado como no álbum, toda a bateria do álbum foi programada.

No entanto, o trabalho não se confina a ser um modelo de um género específico (apesar de representar esse papel na perfeição, como já foi dito). Isto acontece por dois motivos: em primeiro lugar devido às inúmeras influências externas que a banda ainda denota nalguns momentos e ainda que as mudanças sejam mínimas (muito menos bruscas que no álbum anterior) há incursões noutros subgéneros (quando o som se torna mais lento e pesado há uma clara vibração mais ligada ao Doom Metal e ao contrário quando existem momentos mais virados para o Gothic Rock nas músicas mais acessíveis como o clássico My Girlfriend’s Girlfriend); em segundo lugar, porque a própria identidade da banda é bastante única e transcende em vários planos (especialmente o lírico) o próprio género em que a banda mais se insere. Já para não falar na qualidade intrínseca do trabalho que o torna um álbum essencial de Goth Metal, não apenas mais um entre muitos ou numa situação em que é valorizado puramente pelo facto de ter surgido pelas mãos de uma banda pioneira no mencionado género.Percebe-se logo aos primeiros segundos do álbum (literalmente) que a banda tem uma forma de estar (na música em geral) bastante própria e “característica”, nomeadamente no que ao humor diz respeito: a primeira faixa (Bad Ground) são quase quarenta segundos de ruído que dá a sensação do CD estar riscado o que fez com que algumas pessoas tentassem devolver o CD sem perceber que era suposto ser assim devido à partida da banda… É de pensar que a seguir a este momento a banda iria começar a levar as coisas mais “a sério”, no entanto essa assumpção logo se mostra errada já que na segunda faixa (que não tem título) temos a banda a gozar com a partida anterior, a apresentar os membros (Peter, Johnny, Kenny e Josh) e depois a agradecerem o facto de o ouvinte ter comprado o álbum. Na mesma linha, a última faixa (também sem título) tem o vocalista/baixista Peter Steele a desejar que a audição não tenha sido demasiado desapontante (“I hope it wasn’t too disappointing”)…
O resto do álbum é mais “limpo” destes momentos (entenda-se que isto não se refere ao humor negro que está, felizmente, sempre presente) se bem que ainda há referência a uma das paródias mais conhecidas da banda, “People’s Technocratic Republic Of Vinnland”, uma área imaginária algures entre o Canadá e os EUA (na verdade no nome vem de Vinland, nome dado pelos Vikings a uma zona inserida no que hoje é o Canadá) de onde a banda clama ser e cujo presidente é… Peter Steele. A faixa com o pomposo nome de The Glorious Liberation Of The People’s Technocratic Republic Of Vinnland By The Combined Forces Of The United Territories Of Europa é pouco mais de um minuto a retratar a “libertação” dessa república imaginária com sons bélicos em forma de marcha militar.

Contundo, não se pense que o tom geral do álbum é o divertimento leviano. Bem pelo contrário, o álbum tem vários momentos de negatividade que cobrem estados como a depressão, o luto ou a suave melancolia, sendo que este último aspecto que poderá muito bem ser o pano de fundo dominante do trabalho na sua tentativa de retratar os dias de prostração que invadem o Outono. Muita desta flutuação de sentimentos e estados de espírito é responsabilidade dos teclados quase omnipresentes de Josh Silver que são uma das principais linhas condutoras de todo o trabalho, com um som bastante distinto e equilibrado entre os vários ambientes criados pelo teclado. Silver varia entre uma série de técnicas que não só conferem ao álbum uma riqueza maior, como provam que se está na presença de um dos mais talentosos e criativos teclistas dentro do género… e não me refiro apenas ao Gothic Metal em particular.
Alguns dos sons mais reconhecíveis de October Rust são as introduções das mais conhecidas faixas do álbum (muito por causa do trabalho de sintetizadores que contém) como My Girlfriend’s Girlfriend ou a tremenda balada Love You To Death, ambas com um espantoso trabalho de teclados seja pelo som único que têm, seja pela predominância que têm na música. No caso de My Girlfriend’s Girlfriend (uma música sobre um afortunado triângulo amoroso em que o vocalista/baixista Peter Steele se vê envolvido), são os teclados muito ao estilo da segunda do Gothic Rock que dão à música um apelativo muito especial e tornam a música numa das mais conhecidas músicas de TON.
A par das introduções e dos solos, temos o lado mais atmosférico dos teclados, que geralmente coincide com as alturas em que a banda soa mais próxima do Doom (como acontece na épica Haunted) o que incute uma certa soturnidade às faixas. Além da referida Haunted (que é uma referência óbvia), a hilariante frase do refrão de Be My Druidess é acompanhada de alguns dos mais sinistros teclados de todo o álbum e o mesmo se pode dizer para a penosamente realista Red Water (Christmas Mourning).

Além destes apontamentos, é de referir que muita da riqueza do álbum a longo prazo se deve à mestria de Silver mesmo nos momentos em que os teclados não são predominantes ou nem sequer aparecem em pano de fundo. Existem subtis incursões dos teclados em momentos chave do álbum que enfatizam determinado som (muitas vezes até outros elementos como a guitarra ou a voz de Steele) e que são instrumentais para o sentimento que a banda pretende recriar. Depois de tudo isto, Josh Silver também foi o responsável pela programação da bateria (bem como co-produziu o álbum com Peter Steele) que, ao contrário do que os créditos dizem atribuindo-a ao baterista Johnny Kelly, foram inteiramente programados em estúdio. Em relação a este aspecto não há muito a dizer, não só porque quase não se nota que a bateria é programada (que é o que interessa, já que ninguém estaria à espera de brilhantismo com programação da bateria) mas também porque é um elemento que não grande importância no álbum (provavelmente de forma propositada devido ao que foi referido).

Ainda no campo da produção é de destacar a forma como todo o álbum está bem construído no que diz respeito ao balanceamento do binómio peso/melodia. Apesar de os teclados serem de uma clara importância (e a forma como são usados dão um aspecto mais melodioso e calmo a todo o álbum), o peso das guitarras e do baixo é sempre considerável. Além de tudo soar de forma cristalina (outra coisa não seria de esperar e exigir), tudo tem o seu espaço e tempo para surgir dentro do som, o que é muito positivo dado que sublinha uma das principais qualidades da banda, isto é, a sua qualidade na composição das músicas, nomeadamente nas mais longas como a minha preferida Die With Me onde há uma exaustiva exposição de tudo o que a banda tem de melhor para oferecer.
A produção também mantém o som característico de TON – e que de alguma forma foi cravado definitivamente em Bloody Kisses – embora se notem algumas diferenças em relação ao anterior trabalho. Este aspecto tem a sua materialização sobretudo na forma como a guitarra actua. Kenny continua a desempenhar um papel fundamental no álbum, mas o som da guitarra é mais límpido e tem algumas variações que não eram tão evidentes (ou não existiam de todo) no álbum que precedeu October Rust.
A distorção de guitarra típica de Type O Negative (e que influenciou incontáveis bandas…) está presente mas acaba por ser ligeiramente mais suave. Isto deve-se principalmente ao da distorção ser mais ouvida nos momentos mais arrastados e lentos, o que não acontece assim tantas vezes neste álbum. No geral, as músicas também não são muito pesadas (embora esta constatação só sirva em análise com os álbuns passados da banda, uma vez que é um álbum bastante pesado para o que é normal dentro do Gothic Metal) e daí esta pequena atenuante no som da guitarra. No entanto, isto não quer dizer que Kenny não esteja a altura dos acontecimentos. Algo que é curioso notar é o dinamismo da guitarra que assenta que nem uma luva no som melodicamente poderoso da banda: a guitarra pode, por um lado soar suave e gentil em faixas como Love You To Death ou Die With Me e por outro lado soar obscura e pesada em momentos como Red Water (Christmas Mourning) ou Wolf Moon [Including Zoanthropic Paranoia]. Da mesma forma, músicas como My Girlfriend’s Girlfriend ou Cinnamon Girl (um original de Neil Young sublimemente adoptado ao estilo de Type O Negative), não seriam as mesmas sem os contagiantes riffs saídos dos dedos de Kenny.

O outro representante do campo das cordas é nada mais nada menos que Peter Steele. O membro mais reconhecido da banda tem, naturalmente, um enorme destaque em October Rust. Falando primeiro no seu desempenho como baixista, o que se encontra no álbum é uma tremenda performance de Steele, que ajuda em muito a definir o som profundo e grandioso do álbum. Steele toca com bastante força e energia o que lhe dá um estilo único de execução, seja em que prima musical esteja inserido (o seu trabalho com Carnivore é exemplo desta multiplicidade). Adicionando a isto o facto do baixo ser um elemento com bastante importância no som de TON (e na própria caracterização do mesmo), dá para perceber que Steele é bastante mais do que a face de Type O Negative. É igualmente notável a forma como Steele vai variando o trabalho e imprimindo diferentes tons e texturas nas músicas virtude do seu papel enquanto baixista. Se por um lado temos belas melodias como na balada Green Man, por outro lado temos um trabalho de outra ordem completamente diferente em Burnt Flowers Fallen em que na maior parte do tempo o som é mais acelerado.
Mais do que o destaque nalgum momento em particular (e aqui nem temos um momento como Black Nº1…), o distinto som do baixo de Peter Steele é um bom resumo do que October Rust representa no cômputo geral: refrescante (muito raramente vemos um baixo com esta importância dentro do género… e aqui refiro-me ao género alargado de TON) e imponente nos seus melhores momentos.

Falando em imponência, poucos serão os adjectivos que descrevam melhor que imponente a outra parte da contribuição (mais reconhecível, claro) de Steele no álbum. O álbum é invariavelmente marcado pelos vocais graves (muito graves) e poderosos do gigante vocalista de TON. Porventura o som mais distinto do trabalho (sem desprimor ou relegação para um plano de irrelevância de tudo o resto) é a voz de Steele e isto muito se deve à forma como a voz se consegue destacar de tudo o resto devido ao timbre único do vocalista, sem nunca destruir a coesão das músicas. Isto é particularmente evidente em momentos menos pesados em que a voz de Steele ainda se consegue encaixar de forma perfeita (exemplo paradigmático disto é a já referenciada Cinnamon Girl). No entanto, não se restringe ao descrito até agora: a performance teatral de Steele vai variando entre os graves pronunciados e autênticos uivos que acentuam o lado mais negro de algumas das músicas (e que acaba por ser o sentimento mais predominante do álbum). A excelente balada Love You To Death tem simultaneamente alguns dos graves mais profundos do álbum e alguns dos melhores momentos do timbre mais “vampírico” (que a pronúncia característica do vocalista também acentua) de Steele. Momentos memoráveis como os que surgem no meio de Die With Me não parecem atingíveis (acima de tudo pela unicidade do timbre) por outro vocalista que não Peter Steele.

Tão importante quanto a qualidade vocal de Steele é a qualidade lírica (departamento também a cargo do vocalista) e neste aspecto poderemos dizer que as duas estão a par em termos qualitativos. As letras variam entre temas tão distintos como o amor, melancolia e… erotismo florestal ou o trabalho de um operador num parque público de Nova Iorque. Claro que estes dois últimos temas são extremamente literais mas acabam por ser a prova de como Steele consegue atingir simbiose perfeita entre assuntos mais solenes e doses de humor (negro, preferencialmente) consideráveis. Momentos como o refrão de Be My Druidess mostram bem o contraste entre a solenidade da música (incluindo a voz) e as letras. Numa altura bastante Doom e tenebrosa eis que surge:

I’ll do anything
To make you cum…

No entanto, aliado a este momento, nesta mesma música, temos um dos elementos que mais vão surgindo nas letras: o erotismo e a devoção à figura feminina. Um contraste acentuado se olharmos para o primeiro trabalho da banda, mas que ganhou grande relevância em October Rust. Além da mencionada música, baladas como (não tanto por o serem, mas sobretudo pelas letras) como Love You To Death ou Die With Me mostram igualmente esta nova abordagem. A figura feminina é, aliás, a grande fonte de inspiração de Steele para a componente lírica do trabalho visto que, das mais variadas formas (mais sérias ou mais humorísticas), a temática vai sempre surgindo e devido às desventuras de Steele com antigas paixões (aliás, o álbum é dedicado à ex-namorada Elizabeth que também surge no vídeo de Love You To Death) se torna no elemento que mais provoca e inspira o sentimento melancólico que percorre todo o álbum.
É verdade que as letras centram-se fundamentalmente na temática já enunciada, mas temos ainda músicas muito mais fúnebres como Red Water (Christmas Mourning) que descreve o sentimento de perder um ente querido. Steele aborda a questão de forma quase “infantil”, mas de forma brutalmente real e quotidiana:

My tables been set for but seven,
just last year I dined with eleven.

Da mesma forma, que quase surge inconscientemente e com uma leve ponta de humor, surge a letra existencialista de Green Man (o nome é referência directa à cor dos uniformes usados por Peter Steele quando trabalhava nos parques públicos de Nova Iorque), que acaba por resumir um pouco todo o conjunto de emoções melancólicas transmitidas pela música e letras do álbum, sendo simultaneamente a melhor letra do álbum:

Sol in prime sweet summertime,
Cast shadows of doubt on my face.

A midday sun, its caustic hues,
Refracting within the still lake.

Sendo um álbum com uma coesão e compatibilidade (características que não equivalem a repetição ou aborrecimento) e sendo o sentimento geral maior do que a soma das (excelentes) partes que o constituem, torna-se complicado destacar algum momento. Porventura músicas como Love You To Death, Green Man e Wolf Moon (Including Zoanthropic Paranoia), pela forma como estão notavelmente compostas, surgem como alguns dos temas mais representativos da majestosidade de October Rust, mas são insuficientes para perceber a qualidade do álbum como um todo. Mesmo uma referência à arrepiante Die With Me (que pessoalmente considero o melhor momento do álbum) seria injusta se não enquadrada com tudo o que o trabalho representa e atinge…

October Rust surge, ironicamente, como um momento de definição para Type O Negative. Ironicamente porque sendo uma obra de retracto emocional de um conceito específico, abrange sensibilidades que não costumam estar associadas a momentos de segurança (mesmo para a definição do som de uma banda). É talvez este sentimento de vulnerabilidade que percorre a obra em tons de melancolia que a tornam – juntamente com a enorme qualidade de execução – tão apelativa e essencial (um clássico pode-se até dizer, alargando o sentido do termo) dentro do estilo em que se insere.

Para se perceber esta dinâmica “mutante” é preciso olhar para os dois álbuns anteriores da banda. Nada mais nada menos que Worship Him e Blood Ritual de 1991 e 1992, respectivamente. Não estamos perante dois trabalhos vulgares. Numa altura em que uma verdadeira revolução se dava a uns bons milhares de quilómetros do território suíço (na Noruega, claro), estes dois trabalhos tornaram-se verdadeiros clássicos do que mais tarde se viria a chamar Segunda Vaga de Black Metal. Expandindo o que os conterrâneos Hellhammer e Celtic Frost (entre outros, claro) haviam feito nos anos 80, os dois primeiros álbuns de Samael tornaram-se verdadeiros clássicos do Black Metal moderno. O mais surpreendente (uma vez que são álbuns habitualmente prezados de forma mais ou menos igualitária) é que são dois trabalhos que em si já encerram algumas diferenças: Worship Him tem bastantes variações entre os tempos rápidos (seja nos riffs, seja na bateria) e algumas passagens mais atmosféricas enquanto que Blood Ritual acentua a toada lenta sem nunca perder o som poderoso e ritualístico da banda. Atendendo a este historial é possível antever mais uma mudança em Samael ainda que sempre dentro do prisma do Black Metal (isto falando apenas o que foi feito imediatamente a seguir com Ceremony Of Opposites, entenda-se).

Na verdade, Ceremony Of Opposites é porventura o último trabalho da banda associado ao que se pode de alguma forma chamar Black Metal “tradicional”. Seguindo as pisadas de constante mudança sonora de outra (já mencionada) banda suíça, os seminais Celtic Frost (embora por caminhos totalmente diferentes dos seguidos pela banda de Tom G. Warrior), os Samael enveredaram, após Ceremony Of Opposites, por caminhos mais ligados ao som Industrial (direcção que de alguma forma pode ser vislumbrada neste trabalho de 1994) e maximizaram ainda mais o carácter experimental e ecléctico da banda.
Este facto (ser o último trabalho mais ligado ao BM de Samael) não é por si só razão suficiente para uma atenção especial ao álbum (essas serão descritas na análise ao álbum) mas do ponto de vista do exame evolutivo de uma das bandas pioneiras da Segunda Vaga de Black Metal (ainda antes de alguns dos grandes lançamentos da cena norueguesa) torna-se essencial compreender este trabalho da banda em toda a sua plenitude.

Alinhamento
01 – Black Trip
02 – Celebration Of The Fourth
03 – Son Of Earth
04 – ‘Till We Meet Again
05 – Mask Of The Red Death
06 – Baphomet’s Throne
07 – Flagellation
08 – Crown
09 – To Our Martyrs
10 – Ceremony Of Opposites

Ano 1994

Editora Century Media

Faixa Favorita 04 – ‘Till We Meet Again

Género Black Metal

País Suiça

Banda
Masmiseim – Baixo
Rodolphe H. – Teclado
Vorphalack – Guitarra, Voz
Xytras (Christophe Mermod) – Bateria

Assim sendo, The Cold Earth Slept Below… surge como uma das primeiras demonstrações de (puro) BM norte-americano a ter alguma relevância na cena mundial. Fruto da insistência do fundador e único membro fixo da banda Andrew Jay Harris, mais conhecido pelo seu pseudónimo Akhenaten. À semelhança de grandes nomes do estilo, Judas Iscariot foi predominantemente uma “one-man band”. O uso do pretérito deve-se ao facto de JI ter cessado as suas actividades em 2002… mais concretamente a 25 de Agosto desse mesmo ano. Neste caso o dia e mês são bastante importantes para perceber a ideologia por detrás do projecto: Judas Iscariot acabou 102 anos depois da morte do filósofo que mais influenciou o seu mentor, ou seja, Friedrich Nietzsche.

Indivíduo com formação académica na área da Sociologia, Harris sempre se pautou pela integridade que incutida ao projecto, quer a nível ideológico (com persistentes ataques niilistas às religiões organizadas sendo o Cristianismo o foco particular), quer a nível artístico. Exemplo disso é a declaração que explica o fim da banda após 10 anos em actividade.
The Cold Earth Slept Below… mostra o lado mais primitivo e frio da perseverante luta de Akhenaten contra a moral cristã através da sistemática desconstrução niilista aqui traduzida em ódio sonoro.

Não obstante o primeiro álbum de estúdio de Judas Iscariot caminhar em terreno já conhecido, Akhenaten consegue fazer uma interpretação bastante interessante do que havia sido desbravado até então. Não havendo propriamente inovação a nível musical (nem é esse o objectivo de Harris), a unicidade de TCESB advém da atmosfera transmitida. O sentimento niilista é muito forte, não só devido ao conteúdo lírico ou à abordagem vocal, mas porque toda a obscuridade do álbum remete para uma ideia de profundo anti-conformismo para com o mundo envolvente. Se existem semelhanças musicais mais ou menos evidentes com nomes predecessores a JI (Darkthrone, por exemplo), a atmosfera criada é bastante única, quer pelo extremismo da mesma, quer pela forma como as variações (não sendo exactamente original, é um trabalho que varia bastante embora sempre dentro do espectro do Black Metal) vão mantendo sempre o mesmo nível de intensidade.

A música de Judas Iscariot (não somente neste álbum) reveste-se de uma complexidade conceptual que contrasta com a abordagem puramente musical que pode ser ouvida em The Cold Earth Slept Below que é substancialmente mais simples. Está claro de ver que a intenção de Akhenaten não era fazer um álbum tecnicamente complexo, pelo que a questão não se põe em termos de capacidade, mas é interessante olhá-la numa perspectiva contrastante que maximiza o efeito pretendido.
Abordando a produção do álbum é possível vislumbrar esta simbiose: o conteúdo filosófico inerente é na sua génese extremo, quer em complexidade quer em valores (ou se se preferir, na falta dos mesmos…) e a produção bastante minimalista e crua acentua esta mesma atmosfera, fazendo com que o trabalho seja fiel retratador a escrita aforística e poderosa de Nietzsche, a grande inspiração ideológica do projecto. O mundo das ideias (complexo) e o mundo musical (simples) unem-se sob o signo do extremismo da mensagem: a comunicação é cruamente poderosa mas a mensagem assume-se como ambiciosamente complexa.

A produção rude e (propositadamente) pouco “trabalhada” (ou trabalhada exactamente para parecer pouco cuidada…) não mascara algumas passagens mais turbulentas no que diz respeito a um elemento do álbum: a bateria. Se na maioria das vezes a repetição ajuda apenas a manter a atmosfera do álbum, quando se dão algumas passagens mais velozes ou há uma tentativa de imprimir outras dinâmicas, nota-se alguma falta de experiência e habilidade. Não sendo expectável (ou mesmo recomendável) um trabalho de grande perfeccionismo, algumas falhas notam-se um pouco mais do que o devido. Até neste caso (que não é positivo, diga-se claramente) a integridade musical de Harris é denotada, sendo que seria porventura mais “fácil” substituir a bateria real por uma qualquer caixa de ritmos.
No entanto, as pequenas (mas evidentes) falhas na bateria não afectam todo o sentimento geral que o álbum emana pelo que não deve ser visto como algo castrador da fluidez do trabalho. Até porque a bateria surge apenas, como já tinha referido, para dar relevo à atmosfera violenta e odioso de The Cold Earth Slept Below e nesse campo não se podem apontar quaisquer lacunas.

Num plano de bastante maior destaque que a bateria (e que o baixo que é inaudível) encontram-se as estridentes e cortantes guitarras que atravessam todo o álbum. O trabalho é maioritariamente assente em riffs gélidos repetidos várias vezes durante as musicas. O trabalho é simples, mas é possível escutar uma grande variedade no mesmo: existem momentos de Black Metal mais furioso (remanescente do trabalho de Darkthrone em Transilvanian Hunger) como é o caso de Damned Below Judas; passagens mais lentas e com riffs épicos, algo que pode ser encontrado na faixa-título; melodias atmosféricas com um efeito altamente hipnotizante que pode ser ouvidas, por exemplo em Babylon.
O interessante neste aspecto é o facto de quase todas as músicas apresentarem esta diversidade. Não pela mesma ordem nem seguindo sempre o mesmo padrão, o que tornaria a escuta monótona rapidamente, mas várias faixas têm as variações descritas e apesar de pintarem uma paisagem bastante monocromática, fazem-no de uma maneira bastante interessante. Fidelity – uma das melhores faixas do álbum, diga-se – é um dos bons exemplos deste aspecto que The Cold Earth Slept Below apresenta, indo dos caóticos às melodias soturnas e mais lentas.

Com as guitarras a conduzir, o álbum vai-se movimentando em diversos campos dentro do Black Metal com o objectivo de criar uma atmosfera desoladora e vazia em consonância com a filosofia niilista seguida por Akhenaten, onde se constata a falta de valor ou propósito da existência (humana). De facto, esse é o sentimento que enche e percorre o álbum. Mesmo não sendo possível o acesso às letras (tudo o que se pode perceber é através de audição directa), o sentimento de invasão por parte de um enorme vácuo é a mais perceptível característica dos quase quarenta e quatro minutos que compõe o álbum.
Contudo, não se pense que este efeito é atingido calmamente. Como mencionado, existem momentos mais lentos e arrastados, mas a incursão pelo lado mais rápido e agressivo do Black Metal está bem presente e o ódio surge como transporte precisamente para a desolação. Atente-se logo ao início do trabalho com Damned Below Judas onde a primeira palavra vociferada é precisamente: Hatred. Uma declaração de intenções bem directa logo nos primeiros segundos do álbum.

Para completar o ambiente geral do álbum, temos a voz de Harris. As vocalizações são bastante típicas do género (arriscaria até dizer que este é o padrão de voz para o Black Metal moderno): guturais poderosos que, por se encontrarem um pouco enterrados na produção, têm um som abafado e distante, o que enfatiza a atmosfera odiosa e cinzenta do álbum. Não sendo exactamente originais (são bastante na linha do que Nocturno Culto já fazia em 1996), as vocalizações neste primeiro álbum de Judas Iscariot ganham dimensão e destaque muito maior devido à sinceridade por emanada por Akhenaten e pela forma como se encaixam nos riffs arrastados (os vocais resultam melhor nas partes menos rápidas das músicas), criando uma ideia de narração filosófica. A última faixa do álbum, que tem o sugestivo nome de Nietzche, é o melhor exemplo do que acabo de referir, nomeadamente devido à entoação quase profética que os vocais assumem.

Todo o trabalho é bastante homogéneo no seu todo. As variações que referi surgem sobretudo dentro de cada faixa, mas a atmosfera de faixa para faixa é sensivelmente a mesma. Não se esperava outra coisa e é precisamente este envolvimento que o trabalho tem que o torna interessante.
Como já foi amplamente exposto, não se trata de um trabalho original em termos estritamente musicais (embora hoje possa soar ainda menos uma vez que muitas bandas trilharam o mesmo caminho que os antecessores de JI ou do próprio projecto norte-americano) pelo que vale fundamentalmente pela qualidade imprimida ao álbum.
Neste caso em concreto, a mais valia do álbum é conseguir manter a qualidade e interesse por dois motivos: por um lado, há uma envolvência geral muito bem conseguida e que consegue transmitir na perfeição o sentimento niilista que Harris pretende; por outro lado, existem vários momentos (sejam riffs arrepiantes, passagens melódicas de cortar a respiração ou simplesmente instantes de Black Metal executado com o sentimento certo) que por si só se tornam verdadeiros hinos e o melhor é que há muitas alturas em que isso acontece.
Os momentos arrastados e tenebrosos de Damned Below Judas ou Fidelity, os riffs bastante inspirados em Babylon ou no riff principal de The Cold Earth Slept Below e ainda a hipnótica e longa viagem de Nietzsche (tema que de alguma forma se torna no paradigma máximo do trabalho e porventura do próprio projecto), são (por si só) tudo fantásticas demonstrações de como deve ser feito BM, mas quando integrados num álbum com a capacidade de proporcionar um efeito de abstracção exterior para uma maior exploração individualista, tornam-se ainda melhores e transcendem a qualidade intrínseca que cada uma dessas demonstrações teria já por si só.

É admirável a forma como os jovens músicos de Hades se conseguem movimentar nas inúmeras influências que têm, criando um álbum essencial dentro do Viking Metal e paradigmático naquilo que a cena norueguesa tinha de melhor: pintar sonoramente a paisagem e história do país em questão.

Alinhamento
01 – Melancholy Beginning
02 – Forgotten Dead Crow
03 – My Blood In Your Hands
04 – Arising From The Ashes
05 – Devouring Your Essence
06 – Being As One With Hatred
07 – Me, The Hanged One
08 – Constant Suffering

Ano 2003

Editora Nightmare Productions

Faixa Favorita 08 – Constant Suffering

Género Black Metal

País Portugal

Banda
Nocturnus Horrendus – Baixo, Guitarras & Voz
Necromorbus – Bateria

Alinhamento
01 – Venus Doom
02 – Love In Cold Blood
03 – Passion’s Killing Floor
04 – Kiss Of Dawn
05 – Sleepwalking Past Hope
06 – Dead Lover’s Lane
07 – Song Or Suicide
08 – Bleed Well
09 – Cyanide Sun

Ano 2007

Editora Sire Records

Faixa Favorita 05 – Sleepwalking Past Hope

Género Gothic Rock

País Finlândia

Banda
Emerson Burton (Janne Puurtinen) – Teclado
Gas Lipstick (Mika Karppinen) – Bateria
Linde (Mikko Lindström) – Guitarra
Migé Amour (Mikke Paananen) – Baixo
Ville Valo – Voz

É assim que Ville Valo inicia o álbum, o sexto da banda: em tom catártico. É bem compreensível que assim o seja, após vários acontecimentos traumáticos com o vocalista da banda desde o lançamento de Dark Light no fim de 2005. Os detalhes sobre os mesmos são irrelevantes, mas o impacto que estes tiveram na banda são importantes (como um todo e não como acontecimentos isolados) e ajudam a perceber a toada reinventiva da essência da própria banda que Venus Doom toma.

O que se nota logo à partida no álbum é uma vontade experimental enorme. Seja através das texturas musicais criadas pelas guitarras, as partes instrumentais muito ao jeito de Black Sabbath (influência confessa da banda), as peculiares intromissões do baixo ou ainda as letras, cada vez mais complexas e literárias (uma clara mudança desde os primeiros tempos da banda, onde o amor trágico surgia retratado de forma bem mais directa e simples), a verdade é que todo o álbum é envolto numa atmosfera bastante densa e que tem várias incursões a géneros que a banda nunca explorara antes.

Concretizando, temos um claro piscar de olho a algumas ideias mais progressivas, facto até aqui completamente inédito e corporiza-se sobretudo na não utilização da habitual composição, “verso-refrão-verso-refrão”, bem como alguns arranjos que fazem lembrar o estilo. As próprias opções a nível da duração das músicas reflectem algumas influências do estilo.
É ainda possível distinguir alguns elementos bem Doom (este facto é uma das mais surpreendentes revelações de todo o álbum e está bem presente em todo o trabalho) e que tornam o álbum soturno, negro e com uma áurea profunda de melancolia. A música não é, obviamente, tão arrastada ou pesada como a praticada nas bandas mais pesadas do estilo, mas a simbiose suave das características principais do Doom (o refrão neste aspecto é bem literal) com o som mais “rockeiro” da banda, é uma das principais características dos HIM neste álbum.
Ainda neste campo, Black Sabbath surge como influência óbvia. Muitos riffs têm essa influência claramente destacada e os próprios momentos instrumentais que criam a atmosfera negra do álbum são remanescentes da banda de Tony Iommi.

A guitarra assume-se como o motor desta evolução ocorrida em Venus Doom comparativamente com os álbuns anteriores. Linde é um excelente guitarrista, que sempre deu à banda um toque único, mas nunca terá tido uma performance tão central num álbum. Se é certo que uma das principais marcas de HIM era a distorção muito própria dos primeiros trabalhos e esta desapareceu… mais certo ainda é que Linde tem um papel multi-facetado e essencial para a definição das principais ideias do álbum, bem como para os objectivos da banda nesta fase.
Os riffs sujos e bastante “sabbathianos” são a nota dominante no álbum, a par com os inúmeros solos que todas as músicas sem excepção apresentam. Este foi de resto, um caminho pelo qual a banda explicitamente optou, isto é, dar mais destaque e tempo à guitarra nesta proposta.
O trabalho de guitarra apresenta-se assim como um dos principais pontos de interesse do álbum. Muito variado, pesado, como uma distorção diferente da usada antigamente mas ainda assim distinta da maioria do que se faz actualmente, com vibrantes passagens em várias músicas entre muitos outros atractivos que se vão descobrindo a cada audição, pois os pormenores com que Linde vai polvilhando o álbum são muitos e variados.

Instrumentalmente, outro dos factores que se saúda é o regresso do baixo a um papel de relevo num trabalho da banda. Depois de alguns álbuns relegado para segundo plano, Migé volta a apresentar-se como um elemento realmente importante na construção da atmosfera de um álbum de HIM, tal como acontecia nos tempos de Razorblade Romance, não se limitando a “encher”. Em consonância com a guitarra, o baixo assume um papel importante para a atmosfera densa e profunda que todo o álbum tem, através de riffs fortes e demarcados. Alguns dos melhores momentos do álbum são quando o baixo e a guitarra como que se interligaram e formam um par sonoro atmosférico e negro que em muito beneficia o sentimento geral de Venus Doom.

A bateria de Gas encontra-se numa toada semelhante a tudo o resto, com diversas variações de estilo em todo o álbum. Esta versatilidade assenta bem a Gas que é um vocalista bastante completo e cheio de ideias musicalmente distintas (é, por exemplo, baterista numa banda de Grindcore), tal como provam os momentos de espantoso relevo e exoticidade (a percussão em Sleepwalking Past Hope é um destes momentos).
Os teclados por outro lado, estão menos presentes do que em Dark Light, não deixando ainda assim, de dar um sentimento épico e melancólico ao trabalho, sobretudo nos momentos onde os instrumentos assumem uma posição privilegiada em relação à voz.

Falando nesta mesma voz, este é sempre um dos principais factores de destaque em álbuns de HIM e sobretudo para os fãs da banda. A voz de Valo apresenta uma expressividade e vulnerabilidade que sempre foram muito apreciadas pelos fãs e por outro lado, criticadas por alguns detractores da banda (embora a maioria das críticas neste campo sejam absurdas demais para uma menção séria).
Em Venus Doom, Ville Valo exibe-se mais maduro e ciente das suas capacidades vocais, variando entre registos mais agudos e graves, com especial destaque para estes últimos, que sempre foram um dos pontos fortes do vocalista de HIM. De resto, a voz acompanha inteiramente toda a temática lírica do álbum. A dualidade entre o amor e a tragédia é analogamente representada pela voz ora mais suave, ora mais soturna de Valo.
Liricamente, o álbum apresenta-se como um dos mais ricos da banda, com a poesia fantasmagórica, mas romântica de Valo, num estilo muito literário e alegórico, sempre tendo o amor trágico como pano de fundo. De resto, o álbum tem de alguma forma um conceito comum a algumas músicas, conceito esse que se prende com uma paixão com o fim trágico no clímax do álbum, Sleepwalking Past Hope.

De facto, as variações entre momentos mais habituais da banda e devaneios “à lá” Doom que estão particularmente presentes em Venus Doom ou Passion’s Killing Floor são de resto uma simbiose à qual poderíamos de forma muito redutora chamar Doom Rock e que representa todos os sentimentos que a banda quis por no álbum. A última música do álbum, Cyanide Sun é o exemplo perfeito deste contraste entre peso e delicadeza, tragédia e beleza.
Até a música escolhida para o single, Kiss Of Dawn (música dedicada a um amigo da banda que faleceu pouco depois de finalizadas as gravações de Dark Light) tem na sua versão álbum um momento final muito mais exótico que o habitual na banda, com os teclados a envolverem a música num misto de mistério e erotismo.
Todas as músicas são de resto bem mais pensadas, tendo o álbum menos faixas que o habitual (apenas nove na edição normal) em HIM precisamente para evitar que houvessem músicas a mais o que se materializou em mais faixas de grande qualidade como é o caso da mais acelerada Love In Cold Blood, de um momento muito espiritual em Dead Lover’s Lane ou Bleed Well num tom mais Pop e alegre que acaba por ser distinto do resto, mas encaixar-se muito bem no álbum.

Todo o álbum é contrastante: se por um lado temos o peculiar acústico Song Or Suicide com pouco mais de um minuto muito caseiro e introspectivo, temos por outro a opus do álbum, Sleepwalking Past Hope que simboliza tudo o que Venus Doom tenta demonstrar e fá-lo de forma brilhante. A mais longa faixa que a banda produziu até hoje, com mais de dez minutos de duração, é uma épica e negra viagem por um mundo onde várias emoções se cruzam de forma contagiante. Com momentos mais calmos e tristes onde o teclado vai dando um sentimento melancólico à música ou com momentos onde os solos de guitarra dão uma vibração fantasmagórica ao tema, tudo está perfeitamente interligado e redunda numa mensagem desolada, no momento mais pessoal e desolador do álbum. Se necessário fosse resumir o álbum num simples minuto seria o meio de Sleepwalking Past Hope onde a estrofe abaixo citada está inserida, seria o ideal:

I gave up long ago
Painting love with crimson flow
Ran out of blood and hope
So I paint you no more

Simplesmente arrepiante, uma das melhores músicas de HIM em muito tempo.

Quase no fim deixo uma pequena consideração. Este álbum foi “publicitado” como o mais pesado de HIM. Será o mais variado, talvez o mais bem conseguido musicalmente e o mais ambicioso, mas não concordo com o facto de ser o mais pesado. Nesse campo, a estreia da banda com Greatest Lovesongs Vol.666 (que permanece o meu favorito) tem um ambiente que puxa muito mais para o Gothic Metal, factores que se foram transformando ao longo da carreira da banda, inclusive em Venus Doom.
O “Gothic” em HIM está presente mas deixou de ser o principal “ambiente” presente nos álbuns e por outro lado a sonoridade, sendo pesada, é-o doutra forma, mais suja e não de forma tão agressiva e literalmente distorcida como o era no início.
Nenhuma destas considerações belisca a excelente qualidade deste álbum. A banda mudou e essa mudança deu grandes frutos, como é o caso de Venus Doom.

A sonoridade não é a mesma do início da carreira e alguns (ou algumas…) poderão não compreender a profundidade e a evolução da banda, mas é inegável que a qualidade é a mesma, simplesmente “aplicada” de outra forma e com a maturação que o tempo sempre permite às grandes bandas.